Glenn Miller - In the Mood

Glenn Miller – In the Mood

Glenn Miller mit Posaune in einer Billboard-Anzeige von 1942. Wikimedia Commons; auf der Dateiseite als Public Domain ausgewiesen.

Einleitung

„In the Mood“ gehört zu den bekanntesten Aufnahmen der Swing-Ära. Die Fassung von Glenn Miller and His Orchestra wurde am 1. August 1939 im RCA-Victor-Studio Nr. 2 in New York aufgenommen und auf Bluebird B-10416 veröffentlicht. Die Library of Congress führt genau diese Aufnahme seit 2004 im National Recording Registry.

Du lernst in diesem aiMOOC nicht nur historische Daten, sondern untersuchst die Aufnahme als klingendes Dokument: Riffs, Swing, Synkopen, Call and Response, Improvisation, Instrumentengruppen einer Big Band, die Dramaturgie des Arrangements, Produktionsbedingungen einer 78-rpm-Schallplatte und die spätere Bedeutung des Stücks im Zweiten Weltkrieg.

Wichtig ist dabei die Unterscheidung zwischen Komposition, Arrangement und konkreter Aufnahme. „In the Mood“ existierte bereits vor Glenn Millers Einspielung in anderen Gestalten. Millers Aufnahme ist deshalb kein „Original“ im Sinn der allerersten Fassung, wohl aber diejenige Studioaufnahme, die das Stück weltweit prägte.

Offizielles Hörbeispiel: Studioaufnahme von 1939

Das folgende Video wird vom Rechteinhaber über YouTube bereitgestellt. Es handelt sich laut Plattformangaben um die RCA-Bluebird-Aufnahme von 1939. Ein YouTube-Embed bedeutet keine freie Lizenz für eine Weiterverwendung außerhalb der Plattform, ist aber für die Wiedergabe im Unterricht wesentlich rechtssicherer als ein ungeklärter Reupload.

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Hörauftrag: Achte zunächst nur auf drei Ebenen: das wiederkehrende Riff, die Wechsel zwischen Holzbläsern und Blechbläsern sowie die dynamische Schlussdramaturgie.

Entstehungsgeschichte

Die Entstehung von „In the Mood“ ist ein Beispiel dafür, wie Jazzmusik über Jahre hinweg durch Riffs, Bearbeitungen und Aufführungspraxis weiterentwickelt wurde. Die Library of Congress nennt als frühe Vorläufer unter anderem „Clarinet Getaway“ der Jimmy O’Bryant Washboard Wonders von 1925 und Wingy Manones „Tar Paper Stomp“ von 1930. Horace Henderson verwendete verwandtes Riffmaterial 1931 in „Hot and Anxious“. Joe Garland entwickelte daraus später eine ausführlichere Komposition; Edgar Hayes and His Orchestra nahmen 1938 eine bereits klar erkennbare Fassung unter dem Titel „In the Mood“ auf.

Joe Garland bot das Stück anschließend Artie Shaw an. Dessen frühe Rundfunkfassung war deutlich länger und langsamer als die später berühmte Miller-Version. Glenn Miller erwarb das Stück 1939 und arbeitete an einer stark gestrafften Fassung.

Die genaue Zuschreibung des endgültigen Arrangements ist nicht völlig eindeutig. Der Library-of-Congress-Autor Dennis M. Spragg beschreibt, dass Miller den Arrangeur Eddie Durham einbezog und dass Miller, Durham und Pianist J. C. „Chummy“ MacGregor das Material gemeinsam redigierten. In einem später veröffentlichten Interview erinnerte sich dagegen Posaunist Paul Tanner, Miller habe wesentliche Schnitte, Soloblöcke und den Schluss selbst während der Proben festgelegt und Durham sei an „In the Mood“ nicht beteiligt gewesen. Für eine saubere historische Darstellung solltest Du deshalb nicht behaupten, die Endfassung sei zweifelsfrei von nur einer Person arrangiert worden.

Afroamerikanische Wurzeln und Big-Band-Kultur

Die Vorgeschichte des Stücks zeigt, wie zentral afroamerikanische Musiker, Bands und Arrangeure für die Entwicklung des Swing waren. Rifftechniken, Blues-Formeln, Call-and-Response-Prinzipien und die Tanzorientierung wurden in afroamerikanischen Ensembles und Ballrooms entscheidend geprägt. „In the Mood“ steht damit nicht isoliert für Glenn Miller, sondern in einem langen musikalischen Austausch innerhalb der amerikanischen Jazzgeschichte.

Jitterbug-Tanz in einem Juke Joint nahe Clarksdale, Mississippi, November 1939. Aufnahme von Marion Post Wolcott für die Farm Security Administration; Wikimedia Commons, Public Domain als Werk einer US-Bundesbehörde.

Jitterbug um 1939. Das Bild verdeutlicht den körperlich-energetischen Tanzkontext, für den schnelle Swing-Arrangements wie „In the Mood“ besonders geeignet waren.

Zeitgeschichtlicher Kontext

Die Studioaufnahme entstand am 1. August 1939, nur wenige Wochen vor dem Beginn des Zweiten Weltkriegs in Europa. Die Vereinigten Staaten traten erst 1941 in den Krieg ein. Deshalb ist es historisch ungenau, die Aufnahme selbst als „Kriegsproduktion“ zu bezeichnen. Ihre starke Verbindung mit dem Zweiten Weltkrieg entstand vor allem später.

Glenn Miller löste seine zivile Band im September 1942 auf und trat den US Army Air Forces bei. Seine Militärband spielte in den USA und ab 1944 auch in Europa für Soldaten und in Rundfunksendungen. Das National Museum of the United States Air Force beschreibt mehr als 350 persönliche Auftritte und über 500 Rundfunksendungen während der europäischen Einsatzzeit.

Dennis Spragg dokumentiert zudem, dass Miller „In the Mood“ in sein Militärrepertoire übernahm und mit dem Army Air Forces Orchestra aufführte und sendete. Dadurch wurde das Stück rückblickend zu einem besonders starken musikalischen Symbol der 1940er-Jahre.

Glenn Miller während seines Dienstes bei den US Army Air Forces. Wikimedia Commons; Aufnahme eines US-Army-Fotografen, Public Domain.

Drei besonders gut belegte Besonderheiten genau der Aufnahme von 1939

Besonderheit 1: Radikale Kürzung für die 78-rpm-Schallplatte

Die Bearbeitung war zunächst länger. Nach Spragg existierte eine ungefähr viereinhalbminütige Rundfunkfassung. Für die Aufnahme wurde das Arrangement so gekürzt, dass es auf eine Seite einer damaligen 78-rpm-Schallplatte passte. Diese technische Beschränkung beeinflusste also direkt die musikalische Form: Wiederholungen und weniger prägnante Passagen wurden reduziert, Soloblöcke klar platziert und die Gesamtform verdichtet.

Das ist ein wichtiges Beispiel dafür, dass Musikproduktion nicht erst seit digitaler Technik formbildend wirkt. Auch ein historisches Speichermedium konnte die Länge und Dramaturgie eines Arrangements bestimmen.

Besonderheit 2: Tenorsaxophon-„Battle“ und Trompetensolo

Für genau die Studioaufnahme vom 1. August 1939 sind Tex Beneke und Al Klink als Tenorsaxophonisten sowie Clyde Hurley als Trompeter belegt. Das Arrangement enthält einen dialogartigen Tenorsaxophon-Abschnitt und ein 16-taktiges Trompetensolo. Dadurch entsteht ein Kontrast zwischen straff organisierten Ensemble-Riffs und individuell hervortretenden Solostimmen.

Für die Analyse ist interessant, dass „Improvisation“ hier nicht bedeutet, die Form werde aufgegeben. Die Soli sitzen in klar abgegrenzten Formblöcken und werden von der Big Band gerahmt.

Besonderheit 3: Die berühmten „falschen Enden“

Ein besonders markantes Merkmal ist die Schlussdramaturgie. Paul Tanner erinnerte sich, dass die Band am Ende wiederholt leiser wurde, wodurch das Publikum ein Ende erwartete. Ein Signal des Schlagzeugers auf der Kuhglocke zeigte der Band an, wann der überraschende laute Wiedereinsatz folgen sollte. Dieses Spiel mit Erwartung und Überraschung war nicht nur musikalisch wirkungsvoll, sondern funktionierte auch unmittelbar auf der Tanzfläche.

Die Besonderheit besteht also nicht bloß in einem Fade-out. Es handelt sich um eine inszenierte Täuschung der Formwahrnehmung: Die Musik scheint mehrfach zu schließen, zieht sich zurück und kehrt dann mit neuer Energie zurück.

Besonderheit 4: Instrumental trotz vorhandener Lyrics

Andy Razaf schrieb einen Text zu „In the Mood“. Glenn Millers Band nahm das Stück jedoch nicht mit diesem Text auf. Spragg stellt ausdrücklich fest, dass weder Millers ziviles Orchester noch sein Army Air Forces Orchestra „In the Mood“ mit Razafs Lyrics aufnahm oder sendete.

Damit ist der berühmteste Klangcharakter des Stücks gerade der eines Instrumentals. Der vorhandene Text gehört zur Werkgeschichte, nicht aber zum hörbaren Inhalt der Miller-Studioaufnahme.

Besonderheit 5: Aufnahmeidentität und Matrix

Die Session fand am 1. August 1939 im RCA Victor Studio Nr. 2 in New York statt. Die Aufnahme trägt laut Library of Congress die Matrixnummer BS-038170-1 und erschien auf Bluebird B-10416, gekoppelt mit „I Want to Be Happy“. Damit lässt sich die historische Aufnahme eindeutig von späteren Live-, Film-, Militär- und Neuaufnahmen unterscheiden.

Stil und Genre

„In the Mood“ steht exemplarisch für Swing und Big-Band-Jazz. Typisch sind ein gleichmäßig vorwärtsdrängender Vierer-Puls, swingende Achtel, synkopische Akzente, riffartige Wiederholungen und das Wechselspiel zwischen Saxophonen und Blechbläsern.

Das Stück zeigt zugleich eine charakteristische Spannung des kommerziellen Swing: Es ist hochgradig arrangiert und präzise, enthält aber trotzdem improvisatorische Solomomente. Gerade diese Verbindung machte Big-Band-Swing für Tanzpublikum und Radio besonders wirksam.

Selbst erstelltes Score-Beispiel 1: Riff-Prinzip

Hinweis: Das folgende Beispiel ist neu komponiert und keine Transkription von „In the Mood“. Es zeigt nur das Prinzip eines kurzen wiederholbaren Riffs mit Pausen und Akzenten.

Ein Riff ist eine kurze, prägnante musikalische Figur, die wiederholt und verändert werden kann. Bei „In the Mood“ trägt ein solches Prinzip einen großen Teil des Wiedererkennungswerts.

Melodie und Harmonik

Die berühmte Hauptidee wird als Folge wiederholter, arpeggienartiger Töne präsentiert. Entscheidend ist nicht nur die Tonhöhe, sondern die rhythmische Verschiebung: Die Figur sitzt nicht statisch auf jedem schweren Taktteil, sondern gewinnt durch Synkopen und Akzentverschiebungen Spannung.

Harmonisch basiert ein großer Teil des Stücks auf einer bluesnahen, funktionalen Sprache mit Tonika-, Subdominant- und Dominantbereichen. Hinzu kommen jazztypische Septakkorde, Durchgangsharmonien und dominantische Spannungen. Die Musik wirkt deshalb zugleich leicht verständlich und harmonisch farbig.

Die genaue absolute Tonhöhe historischer 78-rpm-Übertragungen kann je nach Transfer und Abspielgeschwindigkeit geringfügig variieren. Für die schulische Analyse ist deshalb die Funktion der Harmonik oft sinnvoller als das bloße Benennen einer einzelnen Tonart.

Selbst erstelltes Score-Beispiel 2: Funktionale Spannung

Dieses kurze Beispiel ist ebenfalls vollständig neu erstellt. Es zeigt lediglich eine einfache Spannung von Tonika über Subdominante und Dominante zurück zur Tonika.

Übertrage beim Hören diese Idee auf die Aufnahme: Wo entsteht ein Gefühl von Stabilität, wo von Vorwärtsdrang, und wo löst sich Spannung?

Rhythmus und Groove

Der Rhythmus ist für die Wirkung zentral. Die Aufnahme verbindet den gleichmäßigen Puls der Rhythmusgruppe mit synkopierten Riffs und punktgenauen Ensemble-Akzenten. Dadurch entsteht ein Groove, der sowohl präzise als auch federnd wirkt.

Für Swing ist typisch, dass notierte Achtel nicht mechanisch gleich lang klingen. Sie werden in einer ungleichmäßigen, „schwingenden“ Relation phrasiert. Gleichzeitig erzeugen Bass, Gitarre, Klavier und Schlagzeug einen kontinuierlichen Bewegungsfluss.

Das schnelle Tempo unterstützt den Jitterbug-Charakter. Paul Tanner erinnerte sich ausdrücklich daran, dass die Bearbeitung im Glen Island Casino beim Tanzpublikum getestet wurde und besonders gut funktionierte.

Selbst erstelltes Score-Beispiel 3: Erwartung und überraschender Wiedereinsatz

Auch dieses Beispiel ist keine Melodie aus dem Werk. Es bildet nur die Idee eines allmählichen Zurücknehmens und eines plötzlichen kräftigen Wiedereinsatzes ab.

Vergleiche diese abstrakte Dynamikidee mit der Schlusswirkung der Aufnahme. Entscheidend ist weniger die konkrete Tonfolge als die psychologische Erwartung: Ist das Stück schon vorbei – oder kommt noch etwas?

Gesang und Text

Die 1939er Miller-Aufnahme ist instrumental. Deshalb hörst Du keine Stimme und keinen gesungenen Text. Dennoch existieren Lyrics von Andy Razaf. Aus urheberrechtlichen Gründen wird hier kein vollständiger Liedtext wiedergegeben.

Als sehr kurzes Zitat genügt die Phrase „I'm in the mood now“. Sinngemäß lässt sich das im Kontext etwa als „Jetzt bin ich in Stimmung / bereit für Nähe, Tanz und Flirt“ verstehen.

Zentrale Textthemen und Bildsprache

Die Lyrics kreisen um Flirt, Anziehung, Tanz, körperliche Nähe und den Moment, in dem aus Erwartung Bereitschaft wird. „Mood“ ist dabei weniger ein konkretes Bild als ein emotionaler Zustand. Swing und Bewegung funktionieren zugleich als musikalische und soziale Metaphern für Annäherung.

Für genau die Glenn-Miller-Aufnahme ist aber entscheidend: Diese Bedeutungen werden nicht durch Worte vermittelt. Sie werden instrumental durch Tempo, Riff, Dialoge der Instrumente, Energie und Schlussdramaturgie angedeutet. Eine gute Interpretation trennt daher zwischen Werktext und Aufnahmeklang.

Instrumentierung

Die Studioaufnahme zeigt die typische Arbeitsteilung einer Big Band. Der offizielle RCA-Bluebird-Upload nennt unter anderem folgende Musiker: Legh Knowles, Clyde Hurley und Dale McMickle an den Trompeten; Glenn Miller, Al Mastren und Paul Tanner an den Posaunen; Hal McIntyre, Wilbur Schwartz, Hal Tennyson, Tex Beneke und Al Klink in der Saxophonsektion sowie Chummy MacGregor am Klavier, Richard Fisher an der Gitarre, Rolly Bundock am Bass und Maurice Purtill am Schlagzeug.

Das Glenn Miller Orchestra 1940/41. Die Aufnahme entstand etwas später als „In the Mood“, veranschaulicht aber die Größe und Sitzordnung einer Miller-Big-Band.

Klangrollen der Instrumentengruppen

1. Saxophone: tragen prägnante Riffs, verbinden homogenen Satzklang mit solistischen Passagen und liefern den Tenor-Dialog.
2. Trompeten: setzen helle Akzente; Clyde Hurley erhält einen markanten solistischen Abschnitt.
3. Posaunen: verstärken den mittleren und tiefen Blechbläsersatz und sorgen für kraftvolle Antworten.
4. Rhythmusgruppe: Klavier, Gitarre, Bass und Schlagzeug stabilisieren Puls, Harmonie und Tanzfluss.
5. Gesamtband: erzeugt durch präzise abgestimmte Einsätze die charakteristische Mischung aus Druck, Eleganz und Kontrolle.

Arrangement

Das Arrangement arbeitet mit Kontrast und Steigerung. Ein einprägsames Riff wird vorgestellt, wiederholt und von Blechbläserfiguren beantwortet. Solobereiche lockern die dichte Satzstruktur auf. Danach verdichtet sich das Ensemble wieder, bevor die Schlusssequenz mit den „falschen Enden“ die Erwartung des Publikums manipuliert.

Besonders wirkungsvoll ist die Ökonomie der Mittel: Statt immer neue Themen einzuführen, gewinnt das Arrangement Spannung durch Wiederholung, Registerwechsel, Instrumentationswechsel, Dynamik und Solokontraste.

Call and Response

Call and Response bedeutet, dass eine musikalische Gruppe oder Stimme eine Idee „ruft“ und eine andere darauf „antwortet“. In „In the Mood“ kannst Du diesen Effekt besonders zwischen Saxophon- und Blechbläsersätzen hören. Das Prinzip hat tiefe Wurzeln in afroamerikanischen Musiktraditionen und ist im Jazz vielfach weiterentwickelt worden.

Songform und Dramaturgie

Eine starre Popsong-Schablone wie „Strophe – Refrain – Strophe“ passt hier nur schlecht. Die Aufnahme ist vielmehr ein riffbasiertes Instrumentalarrangement aus aufeinanderfolgenden Funktionsblöcken.

Abschnitt	Musikalische Funktion	Hörmerkmal
Einleitung	Aufmerksamkeit und sofortige Stilmarkierung	prägnanter Band-Einstieg
Riff-Blöcke	Wiedererkennung und Tanzfluss	wiederholte arpeggienartige Saxophonfigur
Antwortfiguren	Kontrast und Verdichtung	Blechbläser reagieren auf die Riffstruktur
Tenorsaxophon-Dialog	solistische Individualisierung	Tex Beneke und Al Klink treten hervor
Trompetensolo	weiterer Klang- und Registerkontrast	Clyde Hurley, 16 Takte
Rückkehr des Ensembles	Wiederherstellung der kollektiven Energie	voller Big-Band-Satz
Schlussdramaturgie	Spannung durch Erwartungstäuschung	leiser werdende „falsche Enden“ und überraschender Wiedereinsatz

Produktion und Aufnahmetechnik

1939 gab es keine moderne Mehrspurproduktion, kein digitales Editing und keine nachträgliche Einzelspurkorrektur. Die musikalische Balance musste im Wesentlichen durch Aufstellung, Spielweise, Arrangement und damalige Studiotechnik erreicht werden. Das Ergebnis ist ein kompakter Monoklang, bei dem der Satz als Ensemble funktioniert.

Besonders wichtig ist die Materialität des Mediums: Die Bearbeitung wurde für eine 78-rpm-Schallplattenseite verkürzt. Damit ist die Produktionsgeschichte unmittelbar in der Form hörbar.

Die heute verfügbaren digitalen Transfers können in Lautheit, Rauschfilterung, Tonhöhe oder Klangbalance voneinander abweichen. Bei einer Quellenanalyse solltest Du daher stets prüfen, ob Du tatsächlich die Aufnahme vom 1. August 1939 hörst oder eine spätere Live-, Film- oder Neuaufnahme.

Vergleich: Studioaufnahme und Livefassung von 1939

Eine besonders geeignete Vergleichsquelle ist die offiziell bereitgestellte Liveaufnahme aus der Carnegie Hall vom 6. Oktober 1939.

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Hörbare und dokumentierbare Unterschiede

1. Aufnahmeraum: Die Studiofassung ist auf die Schallplattenproduktion zugeschnitten; die Livefassung dokumentiert eine Konzertaufführung im Saal und vermittelt dadurch einen anderen Raum- und Aufführungscharakter.
2. Besetzung: Die veröffentlichten Credits der Liveaufnahme nennen gegenüber der Studiofassung teilweise andere oder zusätzliche Musiker, darunter Johnny Best und Tommy Mack.
3. Dauer: Die von Sony/Legacy veröffentlichte Carnegie-Hall-Fassung wird mit ungefähr 3:29 angegeben und ist damit eine eigene, kompakte Aufführungsvariante.
4. Soli und Mikrovariation: Live-Spiel reproduziert nicht jede Artikulation und jeden Soloverlauf mechanisch. Gerade Jazzsoli zeigen innerhalb der festgelegten Form kleine Unterschiede in Phrasierung und Akzentsetzung.
5. Publikumsfunktion: Die Studioaufnahme ist ein Tonträgerprodukt; die Liveaufnahme zeigt dasselbe Repertoire als unmittelbare Bühnenkommunikation.

Hörvergleich: Wähle in beiden Aufnahmen denselben Formabschnitt. Notiere drei Unterschiede in Artikulation, Dynamik oder Klangbalance. Vermeide pauschale Aussagen wie „live ist schlechter“ oder „Studio ist perfekter“; beschreibe konkrete Hörmerkmale.

Vergleich mit früheren Fassungen

Die Edgar-Hayes-Aufnahme von 1938 ist laut Library of Congress die erste vollständig erkennbare Aufnahme des später berühmten Stücks. Eine wichtige Differenz: In dieser Fassung wurde ein Baritonsaxophon-Dialog verwendet, während Millers bekannte Aufnahme den Tenorsaxophon-Dialog zwischen Beneke und Klink prägt.

Artie Shaws Rundfunkbearbeitung war deutlich länger und langsamer. Ein NPR-Beitrag beschreibt sie als mehr als sechs Minuten lang und im Tempo wesentlich gemächlicher; Miller straffte Material und erhöhte die Tanzenergie.

So zeigt der Vergleich, dass die Berühmtheit des Stücks nicht allein aus der Grundkomposition resultierte. Tempo, Kürzung, Solopositionen, Instrumentationsentscheidungen und die Schlussdramaturgie waren entscheidend für die Wirkung der Miller-Aufnahme.

Rezeption und Bedeutung

„In the Mood“ wurde Glenn Millers größter Instrumentalerfolg und eines seiner meistverlangten Stücke. Spragg berichtet, dass die Aufnahme in Originalausgabe und späteren RCA-Wiederveröffentlichungen mehr als eine Million Singles verkaufte.

1983 wurde die Bluebird-Single in die GRAMMY Hall of Fame aufgenommen. 2004 folgte die Aufnahme in das National Recording Registry der Library of Congress.

Diese Auszeichnungen erklären nicht automatisch musikalische Qualität, zeigen aber, wie stark die konkrete Aufnahme als historisch und kulturell bedeutsames Tondokument wahrgenommen wird.

Bedeutung im Werk Glenn Millers

Glenn Miller ist mit mehreren Titeln eng verbunden, darunter Moonlight Serenade, „Chattanooga Choo Choo“, „A String of Pearls“, „Tuxedo Junction“ und „American Patrol“. „In the Mood“ nimmt dennoch eine Sonderstellung ein, weil es den tanzorientierten Swing, die Präzision seines Orchesters und die spätere Kriegszeit-Assoziation besonders stark bündelt.

Glenn Miller im Film „Sun Valley Serenade“ von 1941. Wikimedia Commons. Der Film gehört zur medialen Verbreitung des Miller-Sounds in den frühen 1940er-Jahren.

Medienkompetenz und Urheberrecht

Für Musikgeschichte ist die Quelle selbst Teil des Lerngegenstands. Deshalb solltest Du bei Audio und Bildern stets nach Urheber, Rechteinhaber, Lizenz und konkreter Aufnahmefassung fragen.

Die Medien dieses aiMOOCs folgen drei Strategien:

1. Wikimedia Commons: Es werden Dateien genutzt, deren Dateiseiten freie Lizenzen oder Public-Domain-Status ausweisen. Prüfe für Weiterverwendungen trotzdem immer die jeweilige Commons-Dateiseite und die Rechtslage Deines Landes.
2. YouTube: Die eingebetteten Hörbeispiele stammen aus Uploads, die auf YouTube als von RCA Bluebird beziehungsweise Legacy Recordings bereitgestellt gekennzeichnet sind. Das erlaubt das Anhören über die Plattform, macht die Tonaufnahme aber nicht frei lizenzierbar.
3. Extension:Score: Die Notenbeispiele in diesem aiMOOC sind kurz, neu erstellt und demonstrieren nur allgemeine Analyseprinzipien. Sie sind keine Abschriften der geschützten Partitur oder der vollständigen Melodie.

Quellenkritik

Bei „In the Mood“ ist Quellenkritik besonders lehrreich, weil selbst die Frage nach dem endgültigen Arrangeur unterschiedlich beantwortet wird. Eine seriöse Darstellung sollte deshalb:

1. Primärnahe oder institutionell verantwortete Quellen bevorzugen.
2. Zwischen belegten Sessiondaten und späteren Erinnerungen unterscheiden.
3. Widersprüche offen kennzeichnen.
4. Nicht aus einer populären Zuschreibung eine scheinbar sichere Tatsache machen.
5. Studioaufnahme, Livefassung, Filmfassung und spätere Neuaufnahmen nicht miteinander verwechseln.

Nachprüfbare Quellen

Weiterführend:

1. Library of Congress – Recording Registry: Beschreibungen und Essays
2. Wikipedia – In the Mood
3. Wikipedia – Glenn Miller
4. Wikimedia Commons – Kategorie Glenn Miller
5. National Museum of the United States Air Force – Glenn Miller Army Air Force Band

Interaktive Aufgaben

Quiz: Teste Dein Wissen

Wann wurde die berühmte Studioaufnahme von Glenn Miller and His Orchestra aufgenommen? (1. August 1939) (!6. Oktober 1939) (!7. Dezember 1941) (!15. Dezember 1944)

Warum wurde das Arrangement für die Schallplattenaufnahme stark gekürzt? (Es musste auf eine Seite einer 78-rpm-Schallplatte passen) (!Es gab keine Saxophone im Studio) (!Der Text durfte nicht aufgenommen werden) (!Das Orchester spielte nur zwei Minuten lange Stücke)

Welche beiden Musiker sind mit dem Tenorsaxophon-Dialog der Studioaufnahme verbunden? (Tex Beneke und Al Klink) (!Clyde Hurley und Paul Tanner) (!Glenn Miller und Chummy MacGregor) (!Legh Knowles und Maurice Purtill)

Welcher Musiker spielte den markanten Trompetensolo-Abschnitt der Aufnahme? (Clyde Hurley) (!Tex Beneke) (!Al Klink) (!Richard Fisher)

Was ist an Glenn Millers Aufnahme in Bezug auf Andy Razafs Lyrics besonders? (Sie ist vollständig instrumental) (!Sie enthält einen vierstimmigen Chor) (!Glenn Miller singt die Strophen selbst) (!Die Lyrics werden gesprochen)

Welches Formmittel prägt den berühmten Schluss? (Mehrere scheinbare Enden mit überraschendem Wiedereinsatz) (!Ein langes unbegleitetes Klaviersolo) (!Ein gesungener Schlussrefrain) (!Ein langsames Gitarrenfade ohne Band)

In welchem Genre ist die Aufnahme hauptsächlich einzuordnen? (Big Band Swing) (!Barock) (!Reggae) (!Minimal Techno)

Welche Institution nahm die Aufnahme 2004 in ihr National Recording Registry auf? (Library of Congress) (!Museum of Modern Art) (!British Library) (!Metropolitan Opera)

Welche Aussage beschreibt die Entstehungsgeschichte korrekt? (Das berühmte Riff hat Vorläufer in früheren Jazzaufnahmen) (!Glenn Miller komponierte das gesamte Stück 1944 allein) (!Das Stück entstand zuerst als Filmmusik im Jahr 1954) (!Die Melodie wurde ursprünglich für ein klassisches Streichquartett geschrieben)

Was zeigen die kurzen Score-Beispiele dieses aiMOOCs? (Allgemeine Analyseprinzipien mit neu erfundenem Material) (!Die vollständige Originalpartitur) (!Eine vollständige Abschrift der Hauptmelodie) (!Die originalen Soli Note für Note)

Memory

Riff	Kurze wiederholbare musikalische Figur
Tex Beneke	Tenorsaxophonist der Studioaufnahme
Clyde Hurley	Trompetensolist
Bluebird	Plattenlabel der historischen Single
Jitterbug	Tanzform im Swing-Kontext
Andy Razaf	Verfasser der Lyrics
Maurice Purtill	Schlagzeuger der Aufnahmesession

Drag and Drop

Ordne die richtigen Begriffe zu.	Thema
Studioaufnahme	RCA Victor Studio in New York
Tenor-Battle	Tex Beneke und Al Klink
Trompetensolo	Clyde Hurley
Schlussdramaturgie	Falsche Enden und überraschender Wiedereinsatz
National Recording Registry	Library of Congress

Kreuzworträtsel

Garland	Welcher Nachname gehört zum Komponisten und Arrangeur Joe, der die erkennbare Werkfassung entwickelte?
Beneke	Wie lautet der Nachname eines Tenorsaxophonisten im berühmten Saxophon-Dialog?
Hurley	Wie lautet der Nachname des Trompetensolisten der Studioaufnahme?
Bluebird	Auf welchem Plattenlabel erschien die historische US-Single?
Swing	Welcher Musikstil prägt die Aufnahme?
Jitterbug	Welcher energiegeladene Tanz wird eng mit schnellem Swing verbunden?

Lückentext

Vervollständige den Text.

Glenn Millers berühmte Studioaufnahme entstand am in New York. Die Aufnahme erschien beim Label . Das Arrangement wurde unter anderem gekürzt, damit es auf eine passte. Im Tenorsaxophon-Dialog treten Tex Beneke und hervor. Das markante Trompetensolo wird von gespielt. Die Miller-Aufnahme ist trotz vorhandener Lyrics vollständig . Ein zentrales Formmittel am Schluss sind die sogenannten . Seit 2004 gehört die Aufnahme zum National Recording Registry der .

Offene Aufgaben

Leicht

1. Hörprotokoll: Höre die Studioaufnahme zweimal und notiere beim zweiten Durchgang fünf Zeitpunkte, an denen sich Instrumentation, Dynamik oder Formfunktion deutlich ändern.
2. Instrumentenfamilien: Erstelle eine Grafik, in der Du Saxophone, Trompeten, Posaunen und Rhythmusgruppe der Big Band ihren Klangaufgaben zuordnest.
3. Riff: Erfinde ein eigenes zweitaktiges Riff, das deutlich nicht aus „In the Mood“ übernommen ist, und spiele oder singe es in mehreren Dynamikstufen.
4. Jitterbug: Recherchiere eine historische Jitterbug-Aufnahme oder ein frei lizenziertes Bild und beschreibe, welche musikalischen Eigenschaften schnelles Swing-Tanzen unterstützen.

Standard

1. Formanalyse: Erstelle eine farbige Zeitleiste der Studioaufnahme mit Einleitung, Riff-Blöcken, Soli, Rückkehr und Schlussdramaturgie.
2. Studio und Live: Vergleiche die Studioaufnahme vom 1. August 1939 mit der Carnegie-Hall-Fassung vom 6. Oktober 1939. Belege mindestens fünf Unterschiede mit Zeitangaben.
3. Quellenkritik: Stelle die Aussagen von Dennis Spragg und Paul Tanner zur Rolle Eddie Durhams gegenüber und erkläre, warum historische Quellen zu unterschiedlichen Ergebnissen kommen können.
4. Medienrecht: Prüfe drei in diesem aiMOOC verwendete Commons-Dateien. Dokumentiere Urheber, Lizenzstatus, Quelle und Bedingungen einer Weiterverwendung.

Schwer

1. Arrangement: Entwirf für eine Schul-Big-Band eine eigene 90-sekündige Swing-Form mit Riff, Call and Response, zwei Solofenstern und überraschendem Schluss, ohne Material aus „In the Mood“ zu kopieren.
2. Musik und Erinnerungskultur: Untersuche, warum eine Aufnahme von 1939 später so stark mit dem Zweiten Weltkrieg verbunden wurde. Trenne Entstehungszeit, spätere Nutzung und Erinnerungskultur.
3. Aufnahmetechnik: Produziere zwei Versionen eines eigenen kurzen Ensemble-Stücks: eine möglichst „live“ in einem Take und eine digital mehrspurig. Vergleiche Form, Fehlerkultur und Klangkontrolle.
4. Transkulturelle Jazzgeschichte: Recherchiere die Linie von „Tar Paper Stomp“ über „Hot and Anxious“ und Edgar Hayes bis zu Glenn Miller. Diskutiere dabei Fragen von musikalischer Weitergabe, Arrangement, Autorschaft und afroamerikanischem Einfluss.

Lernkontrolle

1. Form und Medium: Erkläre an „In the Mood“, wie die technische Begrenzung einer 78-rpm-Schallplatte die musikalische Form beeinflussen konnte. Übertrage das Prinzip auf heutige Plattformformate.
2. Arrangement und Wirkung: Analysiere, warum der Wechsel zwischen Riff-Blöcken, Soli und Tutti-Passagen stärker wirken kann als eine durchgehend gleich dichte Instrumentation.
3. Erwartung: Beschreibe die psychologische Wirkung der „falschen Enden“ und erfinde ein anderes musikalisches Verfahren, mit dem Du Publikumserwartungen täuschen könntest.
4. Quellenbewertung: Zwei seriöse Quellen widersprechen sich hinsichtlich des Arrangeurs. Entwickle Kriterien, mit denen Du die Aussagekraft beider Quellen bewerten würdest.
5. Studio und Bühne: Begründe, welche musikalischen Informationen eine Studioaufnahme besser dokumentieren kann und welche Informationen eine Liveaufnahme sichtbar oder hörbar ergänzt.
6. Kulturelle Bedeutung: Erkläre, warum die spätere Verwendung eines Stücks seine historische Bedeutung verändern kann, obwohl die ursprüngliche Aufnahme unverändert bleibt.

Lernnachweis

Für einen Lernnachweis zu „In the Mood“ solltest Du zeigen können, dass Du nicht nur Daten auswendig kennst, sondern Musik hörend, historisch und quellenkritisch untersuchst.

Wichtig sind:

1. Du kannst die Studioaufnahme vom 1. August 1939 eindeutig von späteren Fassungen unterscheiden.
2. Du kannst mindestens drei belegte Besonderheiten genau dieser Aufnahme erklären.
3. Du kannst Riff, Swing, Synkope, Call and Response, Solo, Tutti und Schlussdramaturgie am Hörbeispiel erkennen.
4. Du kannst die Besetzung einer Big Band und die Rollen ihrer Instrumentengruppen erläutern.
5. Du kannst Entstehungsgeschichte und afroamerikanische Vorläufer des Riffmaterials einordnen.
6. Du kannst erklären, warum die Aufnahme erst später stark mit dem Zweiten Weltkrieg verbunden wurde.
7. Du kannst die strittige Zuschreibung des Arrangements quellenkritisch darstellen.
8. Du kannst Studio- und Livefassung anhand konkreter Hörbeobachtungen vergleichen.
9. Du kannst urheberrechtlich vorsichtig mit Lyrics, Noten, Audio und Bildern umgehen.
10. Du kannst eigene kurze musikalische Beispiele entwickeln, ohne geschützte Melodien oder Partituren zu kopieren.

Verknüpfte Lernbereiche

Glenn Miller - In the Mood Swing Big Band Jazz Riff Call and Response Improvisation Arrangement Musikanalyse Musikproduktion Urheberrecht Zweiter Weltkrieg Medienkompetenz