Eine Drehbuchszene schreiben
Eine Drehbuchszene schreiben
Einleitung
Eine Drehbuchszene ist ein klar abgegrenzter Abschnitt eines Drehbuchs, in dem eine Handlung an einem bestimmten Ort, zu einer bestimmten Zeit und mit bestimmten Figuren stattfindet. Wenn Du eine Filmszene schreibst, entwirfst Du nicht nur einen Text, sondern eine Vorlage für Regie, Kamera, Schauspiel, Schnitt, Ton, Ausstattung und Filmproduktion. Eine gute Szene ist deshalb sichtbar, hörbar, spielbar und dramaturgisch notwendig.
Ein Drehbuch unterscheidet sich von einer Kurzgeschichte, einem Roman oder einem Theaterstück, weil es sich auf das konzentriert, was später im Film zu sehen und zu hören ist. Gedanken, Vorgeschichten oder Gefühle werden nicht einfach erklärt, sondern in Handlung, Dialog, Mimik, Gestik, Requisiten, Geräuschen und Bildgestaltung erfahrbar gemacht. Der Grundsatz lautet: Zeigen statt behaupten.
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In diesem aiMOOC lernst Du, wie Du eine eigene Drehbuchszene entwickelst, strukturierst, formatierst, überarbeitest und präsentierst. Du lernst wichtige Fachbegriffe, analysierst Beispiele, erstellst eigene Szenen und prüfst, ob Deine Szene wirklich filmisch erzählt.
Lernziele
Nach diesem aiMOOC kannst Du erklären, was eine Drehbuchszene von anderen Textsorten unterscheidet. Du kannst eine Szenenüberschrift, eine Handlungsbeschreibung, einen Dialog und eine kurze Regieanweisung sinnvoll einsetzen. Du kannst ein Figurenziel, einen Konflikt, einen Wendepunkt und einen Subtext erkennen und für eine eigene Szene nutzen. Außerdem kannst Du eine Szene mithilfe von Feedback, Revision und Storyboard überarbeiten.
Grundlagen einer Drehbuchszene
Was ist eine Szene?
Eine Szene ist eine Handlungseinheit. Sie ist meist durch einen gemeinsamen Ort, eine gemeinsame Zeit und eine zusammenhängende Handlung verbunden. Wechselt der Ort deutlich, vergeht viel Zeit oder verändert sich die Handlungssituation grundlegend, beginnt meist eine neue Szene. Eine Szene kann aus einer einzigen Einstellung bestehen, sie kann aber auch aus vielen Einstellungen zusammengesetzt sein. Für das Drehbuch ist entscheidend, welche Handlungseinheit die Zuschauenden verstehen sollen.
Eine Szene sollte nicht nur etwas zeigen, sondern etwas verändern. Am Ende einer guten Szene ist die Situation anders als am Anfang. Eine Figur weiß mehr, will etwas anderes, gerät stärker unter Druck, trifft eine Entscheidung oder verliert eine Möglichkeit. Ohne Veränderung wirkt eine Szene oft statisch.
Die Aufgaben einer Szene
Eine starke Drehbuchszene erfüllt meist mehrere Aufgaben gleichzeitig. Sie treibt die Handlung voran, macht Figuren erkennbar, erzeugt Spannung, verdichtet Konflikte, vermittelt wichtige Informationen und baut eine Atmosphäre auf. Besonders wirkungsvoll ist eine Szene, wenn Informationen nicht wie in einem Vortrag erklärt werden, sondern aus einer Situation entstehen.
- Handlung: Die Szene bringt die Geschichte voran.
- Figur: Die Szene zeigt, was eine Figur will, fürchtet oder verbirgt.
- Konflikt: Die Szene macht ein Hindernis, einen Gegensatz oder ein Risiko sichtbar.
- Subtext: Die Szene enthält eine zweite Bedeutungsebene unter dem gesprochenen Text.
- Wendepunkt: Die Szene verändert die Lage oder zwingt zu einer Entscheidung.
Szene, Sequenz und Einstellung
Beim Film werden verschiedene Einheiten unterschieden. Die Einstellung ist das, was die Kamera ohne Schnitt aufnimmt. Die Sequenz besteht aus mehreren zusammenhängenden Szenen oder Einstellungen, die gemeinsam einen größeren Handlungsschritt bilden. Die Szene beschreibt vor allem eine Handlungseinheit: Wer tut wo und wann was? Für das Drehbuchschreiben ist diese Unterscheidung wichtig, weil Du in einer Szene nicht jede einzelne Kameraeinstellung festlegen musst. Du beschreibst zuerst die spielbare Handlung.
Vorbereitung: Bevor Du die Szene schreibst
Die Szenenidee finden
Eine Szene beginnt selten mit perfektem Dialog. Meist beginnt sie mit einer Frage: Was soll sich in dieser Szene verändern? Du kannst Dir vorstellen, die Szene sei eine kleine Maschine innerhalb der größeren Erzählung. Sie braucht einen Eingangszustand und einen Ausgangszustand. Zum Beispiel: Eine Figur betritt den Raum mit einem Geheimnis und verlässt ihn, weil das Geheimnis beinahe entdeckt wurde. Oder: Zwei Freunde treffen sich als Verbündete und gehen als Gegner auseinander.
Hilfreiche Fragen sind: Was will die Hauptfigur in dieser Szene? Wer oder was steht ihr im Weg? Was steht auf dem Spiel? Welche Information darf das Publikum erfahren? Welche Information bleibt verborgen? Welche sichtbare Handlung zeigt den inneren Konflikt?
Figurenziel und Hindernis
Das Figurenziel ist der Motor der Szene. Eine Figur möchte etwas erreichen: eine Entschuldigung bekommen, einen Schlüssel stehlen, eine Wahrheit verbergen, jemanden überzeugen, eine Prüfung bestehen oder eine Beziehung retten. Das Hindernis verhindert, dass dieses Ziel einfach erreicht wird. Ohne Hindernis entsteht kaum Dramatik. Das Hindernis kann eine andere Figur sein, eine Regel, ein Gegenstand, ein Zeitdruck, ein Missverständnis oder ein innerer Zweifel.
Je genauer Du das Ziel formulierst, desto leichter kannst Du einen spannenden Dialog schreiben. Figuren sprechen nicht einfach, weil sie Informationen austauschen. Sie sprechen, weil sie etwas erreichen wollen. Dadurch bekommt jede Zeile eine Richtung.
Konflikt und Einsatz
Der Konflikt ist der Gegensatz zwischen Wunsch und Widerstand. Der Einsatz beschreibt, warum die Szene wichtig ist. Wenn nichts auf dem Spiel steht, wirkt selbst ein lauter Streit bedeutungslos. Der Einsatz muss nicht immer lebensgefährlich sein. In einer Schulgeschichte kann es reichen, dass eine Freundschaft zerbricht, eine Lüge auffliegt oder jemand den Mut verliert. Wichtig ist: Für die Figur muss es bedeutsam sein.
Ein guter Konflikt entsteht oft, wenn beide Seiten nachvollziehbar handeln. Eine Szene wird stärker, wenn nicht nur eine Figur recht hat und die andere falsch liegt. Interessant wird es, wenn verschiedene Bedürfnisse aufeinandertreffen: Sicherheit gegen Freiheit, Ehrlichkeit gegen Loyalität, Angst gegen Mut.
Ort, Zeit und Atmosphäre
Der Schauplatz einer Szene ist mehr als ein Hintergrund. Er beeinflusst das Verhalten der Figuren. Ein Streit im leeren Klassenzimmer wirkt anders als derselbe Streit auf einem vollen Schulhof. Ein Gespräch bei Tageslicht hat eine andere Wirkung als ein Gespräch nachts im Regen. Der Ort kann Hindernisse schaffen, Geheimnisse ermöglichen oder Gefühle verstärken.
Beschreibe den Ort knapp, aber gezielt. Ein Drehbuch braucht keine langen Landschaftsbeschreibungen. Wähle Details, die filmisch wichtig sind: ein flackerndes Licht, ein verschlossener Spind, ein zerknitterter Brief, ein Handy mit leerem Akku. Solche Details können später als Requisite, Symbol oder Foreshadowing wichtig werden.
Aufbau und Format
Szenenüberschrift
Die Szenenüberschrift zeigt schnell, wo und wann die Szene spielt. In vielen Drehbuchformaten besteht sie aus Innen oder Außen, dem Ort und der Tageszeit. Im Deutschen kann das zum Beispiel so aussehen: INNEN - SCHULFLUR - TAG oder AUSSEN - BAHNHOF - NACHT. Die Szenenüberschrift hilft dem Filmteam, die Szene organisatorisch und gestalterisch einzuordnen.
Eine klare Szenenüberschrift beantwortet drei Fragen: Befinden wir uns drinnen oder draußen? An welchem Ort spielt die Handlung? Zu welcher Tageszeit spielt sie? Für erste Schreibübungen reicht dieses einfache Muster aus.
Handlungsbeschreibung
Die Handlungsbeschreibung beschreibt, was sichtbar und hörbar passiert. Sie steht im Präsens, weil der Film beim Lesen wie gegenwärtig erlebt werden soll. Schreibe also nicht: Mara ging zum Fenster, sondern: Mara geht zum Fenster. Beschreibe nur, was die Kamera sehen oder das Mikrofon hören könnte. Statt Mara ist traurig kannst Du schreiben: Mara presst die Lippen zusammen und starrt auf den Boden.
Gute Handlungsbeschreibungen sind präzise und knapp. Sie nennen keine unnötigen Details, aber sie geben den Spielenden und dem Filmteam genug Material. Ein Drehbuch ist kein Ort für ausufernde Innenschau, sondern für konkrete Handlungen.
Dialog
Der Dialog ist die gesprochene Sprache der Figuren. Er soll nicht wie ein Aufsatz klingen, sondern wie Sprache in einer konkreten Situation. Trotzdem ist Drehbuchdialog verdichtet. Figuren sagen selten alles direkt. Sie weichen aus, übertreiben, verschweigen, provozieren oder schützen sich. Dadurch entsteht Subtext.
Ein hilfreicher Test lautet: Könnte jede Figur an dieser Stelle den gleichen Satz sagen? Wenn ja, ist der Dialog vermutlich noch nicht figurspezifisch. Jede Figur braucht eine eigene Haltung, einen eigenen Wortschatz und eine eigene Strategie.
Regieanweisungen sparsam einsetzen
Regieanweisungen können helfen, eine besondere Handlung, einen Tonfall oder einen wichtigen Moment zu klären. Sie sollten jedoch sparsam verwendet werden. Wenn in jeder Dialogzeile steht, wie die Figur sprechen soll, wird der Text schwerfällig und nimmt Schauspielenden sowie Regieführenden Gestaltungsspielraum.
Besser ist es, die Situation so klar zu bauen, dass Haltung und Gefühl aus Handlung und Dialog entstehen. Statt wütend zu schreiben, kannst Du zeigen, wie eine Figur eine Tasse absetzt, ohne loszulassen, oder eine Tür zu leise schließt, obwohl sie schreien möchte.
Beispiel einer kurzen Drehbuchszene
Das folgende Beispiel zeigt eine einfache Drehbuchszene mit Szenenüberschrift, Handlungsbeschreibung, Dialog, Konflikt und Subtext. Es ist kein starres Gesetz, sondern eine Übungsform.
INNEN - SCHULFLUR - TAG Der Flur ist fast leer. MIRA steht vor ihrem Spind und hält einen zerknitterten Umschlag in der Hand. JONAS kommt aus dem Treppenhaus. Er bleibt stehen, als er den Umschlag sieht. JONAS Du hast ihn gefunden. MIRA Ich habe nicht danach gesucht. Jonas sieht zur Tür des Lehrerzimmers. Schritte nähern sich. JONAS Dann gib ihn mir. Mira steckt den Umschlag in ihre Jackentasche. MIRA Erst sagst du mir, warum mein Name darauf steht. Die Schritte werden lauter. Jonas senkt die Stimme. JONAS Weil ich dich schützen wollte. Mira lacht kurz, aber ihre Augen bleiben ernst. MIRA Vor der Wahrheit oder vor dir?
In dieser Szene will Jonas den Umschlag zurückbekommen. Mira will wissen, warum ihr Name darauf steht. Der Konflikt wird durch Zeitdruck verstärkt, weil Schritte näherkommen. Der Subtext liegt darin, dass Jonas nicht nur über einen Umschlag spricht, sondern über Vertrauen und Schuld.
Dramaturgie einer starken Szene
Spät einsteigen und früh aussteigen
Eine bewährte Schreibtechnik lautet: spät einsteigen, früh aussteigen. Das bedeutet, dass Du nicht jede Vorbereitung einer Szene zeigen musst. Beginne möglichst nah am Konflikt. Statt zu zeigen, wie eine Figur aufsteht, frühstückt, zur Schule geht und jemanden sucht, kannst Du direkt in den Moment springen, in dem sie die entscheidende Person findet. Ebenso musst Du nicht jede Nachwirkung ausspielen. Endet eine Szene mit einer starken Entscheidung, einem Blick oder einer Enthüllung, kann der nächste Schnitt bereits mehr Wirkung haben als eine lange Erklärung.
Veränderung planen
Eine Szene braucht eine innere Bewegung. Du kannst diese Bewegung mit einer einfachen Formel prüfen: Am Anfang glaubt, will oder fühlt die Figur A; am Ende glaubt, will oder fühlt sie B. Diese Veränderung kann groß oder klein sein. Entscheidend ist, dass das Publikum einen Unterschied wahrnimmt.
Beispiele für Szenenveränderungen sind: Aus Vertrauen wird Misstrauen. Aus Angst wird Entschlossenheit. Aus einem Geheimnis wird eine Bedrohung. Aus einer Bitte wird eine Erpressung. Aus einer harmlosen Begegnung wird ein Wendepunkt.
Subtext schreiben
Subtext bedeutet, dass unter dem ausgesprochenen Text eine zweite Bedeutung liegt. Menschen sagen oft nicht direkt, was sie fühlen oder wollen. Sie reden über Hausaufgaben, meinen aber Enttäuschung. Sie fragen nach der Uhrzeit, meinen aber: Warum bist Du zu spät? Sie sagen: Schon gut, meinen aber: Es ist überhaupt nicht gut.
Subtext entsteht durch Situation, Beziehung, Geheimnis und Kontext. Je klarer Du weißt, was die Figuren wirklich wollen, desto leichter kannst Du einen Dialog schreiben, der mehr bedeutet, als er sagt.
Visuelles Erzählen
Filmisches Schreiben bedeutet, mit Bildern zu denken. Eine Entscheidung kann durch eine Handlung sichtbar werden: Eine Figur löscht eine Nachricht, legt einen Ring ab, schließt ein Fenster oder nimmt ein altes Foto aus dem Rahmen. Solche sichtbaren Handlungen sind oft stärker als lange Erklärungen.
Wenn Du eine Szene überarbeitest, markiere alle Sätze, die innere Zustände erklären. Frage Dich dann: Wie könnte man das sehen oder hören? Aus Leo hat Angst wird vielleicht: Leo kontrolliert dreimal, ob die Tür abgeschlossen ist. Aus Aylin ist unsicher wird: Aylin beginnt einen Satz, bricht ab und faltet den Rand ihres Arbeitsblatts immer kleiner.
Schreibprozess
Schritt 1: Szenenkern formulieren
Formuliere den Kern Deiner Szene in einem Satz. Dieser Satz sollte Ziel, Konflikt und Veränderung enthalten. Beispiel: Mira will Jonas zur Rede stellen, doch Jonas versucht, den belastenden Umschlag zurückzubekommen, bis Mira entscheidet, die Wahrheit selbst zu suchen. Ein solcher Szenenkern verhindert, dass Deine Szene ins Beliebige ausweicht.
Schritt 2: Beats entwickeln
Beats sind kleine Handlungsschritte innerhalb einer Szene. Jeder Beat verändert die Spannung. In einer Konfliktszene kann ein Beat eine Frage, ein Ausweichen, eine Drohung, eine Enthüllung oder eine Entscheidung sein. Beats helfen Dir, die Szene zu strukturieren, bevor Du den endgültigen Dialog schreibst.
- Eröffnung: Die Ausgangssituation wird sichtbar.
- Störung: Ein Hindernis oder eine neue Information tritt auf.
- Steigerung: Der Druck wächst.
- Wendepunkt: Eine Entscheidung oder Enthüllung verändert die Lage.
- Ausklang: Die Szene endet mit einer neuen Richtung.
Schritt 3: Dialog erst nach der Handlung schreiben
Viele Anfängerinnen und Anfänger beginnen direkt mit Dialog. Das ist verständlich, aber oft entstehen dann Gespräche ohne klare Handlung. Sinnvoller ist es, zuerst zu klären, was die Figuren tun, wollen und verhindern. Danach wird der Dialog gezielter. Jede Zeile sollte eine Funktion haben: angreifen, ausweichen, prüfen, verführen, beruhigen, täuschen, bitten oder drohen.
Schritt 4: Erste Fassung schreiben
Die erste Fassung darf unvollkommen sein. Ihr Ziel ist nicht Perfektion, sondern Material. Schreibe die Szene zügig zu Ende. Unterbrich Dich nicht bei jeder Formulierung. Achte darauf, dass Anfang, Konflikt, Wendepunkt und Ende vorhanden sind. Danach beginnt die eigentliche Arbeit: die Überarbeitung.
Schritt 5: Überarbeiten
Beim Überarbeiten prüfst Du, ob die Szene wirklich notwendig, verständlich und filmisch ist. Streiche Begrüßungen, Wiederholungen und Erklärungen, wenn sie keine Funktion haben. Schärfe die Szenenüberschrift, kürze die Handlungsbeschreibung, mache das Figurenziel deutlicher und erhöhe den Konflikt. Überarbeitung bedeutet nicht nur Fehlerkorrektur, sondern Verbesserung der Wirkung.
Schritt 6: Lesen, spielen, filmen
Eine Drehbuchszene zeigt ihre Stärken und Schwächen besonders gut, wenn sie laut gelesen oder gespielt wird. Ein Table Read mit mehreren Personen macht hörbar, ob der Dialog natürlich, klar und spannend klingt. Eine einfache Probeaufnahme mit dem Handy kann zeigen, ob die Szene visuell funktioniert. Dadurch lernst Du, wie Text, Spiel und Bild zusammenwirken.
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Häufige Fehler und Lösungen
Zu viel Erklärung
Ein häufiger Fehler ist erklärender Dialog. Figuren erzählen dann Dinge, die sie beide bereits wissen, nur damit das Publikum informiert wird. Besser ist es, Informationen in Handlung, Konflikt oder Entscheidung einzubauen. Wenn eine Figur etwas erklären muss, sollte diese Erklärung selbst unter Druck stehen.
Kein klares Ziel
Wenn eine Szene schwach wirkt, fehlt oft ein klares Figurenziel. Frage Dich: Was will die zentrale Figur jetzt sofort? Nicht allgemein im Leben, sondern in diesem Moment. Je konkreter das Ziel ist, desto aktiver wird die Szene.
Austauschbare Figurenstimmen
Wenn alle Figuren gleich klingen, verliert die Szene an Lebendigkeit. Entwickle für jede Figur eine eigene Stimme: kurze oder lange Sätze, direkte oder ausweichende Sprache, Humor, Fachwörter, Unsicherheit, Übertreibung oder Schweigen. Auch Pausen und nicht gesagte Sätze können Teil dieser Stimme sein.
Fehlender Wendepunkt
Eine Szene, die am Ende genau dort steht, wo sie begonnen hat, wirkt oft überflüssig. Suche nach einem Wendepunkt. Er muss nicht spektakulär sein. Ein Blick, ein Satz, ein Fund oder eine kleine Entscheidung kann reichen, wenn dadurch die nächste Szene anders wird.
Checkliste für Deine eigene Drehbuchszene
- Szenenidee: Kannst Du den Kern der Szene in einem Satz erklären?
- Szenenüberschrift: Sind Ort, Innen oder Außen und Tageszeit klar?
- Figurenziel: Weißt Du, was die Hauptfigur in der Szene erreichen will?
- Hindernis: Gibt es Widerstand, Zeitdruck oder ein Risiko?
- Konflikt: Treffen unterschiedliche Interessen sichtbar aufeinander?
- Subtext: Bedeutet der Dialog mehr, als er wörtlich sagt?
- Handlungsbeschreibung: Beschreibst Du sichtbare und hörbare Vorgänge?
- Dialog: Hat jede Zeile eine Funktion?
- Wendepunkt: Verändert sich am Ende der Szene etwas?
- Überarbeitung: Hast Du Wiederholungen, Erklärungen und Leerlauf gekürzt?
Interaktive Aufgaben
Quiz: Teste Dein Wissen
Was ist eine Drehbuchszene vor allem? (Eine Handlungseinheit mit Ort Zeit Figuren und Veränderung) (!Eine beliebige Sammlung schöner Dialoge) (!Eine vollständige Inhaltsangabe des ganzen Films) (!Eine Kameraanweisung für jede einzelne Einstellung)
Welche Information gehört typischerweise in eine Szenenüberschrift? (Innen oder Außen Ort und Tageszeit) (!Alter der Hauptfigur Lieblingsfarbe und Musikgeschmack) (!Kameramodell Objektiv und Speicherkarte) (!Name des Kinos Eintrittspreis und Publikum)
Warum ist ein Figurenziel für eine Szene wichtig? (Es gibt der Handlung eine Richtung) (!Es ersetzt den Konflikt vollständig) (!Es macht jede Beschreibung überflüssig) (!Es verhindert jede Veränderung)
Was bedeutet Subtext im Dialog? (Eine unausgesprochene Bedeutung unter den Worten) (!Ein besonders lauter Satz) (!Ein Hinweis auf die Schriftgröße) (!Eine Liste technischer Geräte)
Welche Formulierung ist für eine filmische Handlungsbeschreibung besser? (Mara presst die Lippen zusammen und starrt auf den Boden) (!Mara ist innerlich traurig und denkt an alles) (!Mara hat eine komplizierte Vorgeschichte) (!Mara fühlt sich irgendwie schlecht)
Was bewirkt ein Wendepunkt in einer Szene? (Er verändert die Lage oder Entscheidung) (!Er beendet immer den ganzen Film) (!Er ersetzt alle Figuren) (!Er macht den Ort unwichtig)
Was bedeutet die Schreibtechnik spät einsteigen früh aussteigen? (Die Szene beginnt nah am Konflikt und endet vor unnötiger Erklärung) (!Die Szene beginnt mit der Geburt der Figur) (!Die Szene endet erst nach jeder Nachbesprechung) (!Die Szene vermeidet jede Spannung)
Was ist eine sinnvolle Funktion von Dialog? (Eine Figur verfolgt damit ein Ziel) (!Er füllt leere Seiten ohne Bedeutung) (!Er erklärt jede Vorgeschichte vollständig) (!Er ersetzt sichtbare Handlung immer)
Was ist ein Beat in einer Drehbuchszene? (Ein kleiner Handlungsschritt innerhalb der Szene) (!Ein fertiger Kinofilm) (!Ein Kostümteil) (!Ein Aufnahmegerät)
Worauf konzentriert sich ein Drehbuch besonders? (Auf sichtbare und hörbare Handlung) (!Auf unsichtbare Gedanken ohne äußere Zeichen) (!Auf lange literarische Landschaftsbeschreibungen) (!Auf Fußnoten und Quellenapparat)
Memory
| Szenenüberschrift | Ort und Zeit |
| Figurenziel | Handlungsrichtung |
| Konflikt | Gegenspiel |
| Subtext | Verborgene Bedeutung |
| Wendepunkt | Veränderung der Lage |
| Dialog | Figurenrede |
| Requisite | Bedeutsamer Gegenstand |
Drag and Drop
| Ordne die richtigen Begriffe zu. | Thema |
|---|---|
| Szenenkern | Grundidee der Szene |
| Figurenziel | Wunsch der Hauptfigur |
| Hindernis | Widerstand gegen das Ziel |
| Wendepunkt | Veränderung der Situation |
| Überarbeitung | Schärfung von Wirkung und Klarheit |
Kreuzworträtsel
| Konflikt | Wie heißt der Gegensatz zwischen Wunsch und Widerstand? |
| Subtext | Wie heißt die unausgesprochene Bedeutung unter dem Dialog? |
| Dialog | Wie heißt die gesprochene Figurenrede im Drehbuch? |
| Wendepunkt | Wie heißt der Moment der Veränderung in einer Szene? |
| Storyboard | Wie heißt eine Bildplanung für Szenen und Einstellungen? |
| Requisite | Wie heißt ein bedeutsamer Gegenstand im Film? |
LearningApps
Lückentext
Offene Aufgaben
Leicht
- Szenenbeobachtung: Sieh Dir eine kurze Szene aus einem altersgerechten Film oder einer Serie an und notiere, wo die Szene beginnt, wo sie endet und was sich verändert.
- Szenenüberschrift: Erfinde fünf unterschiedliche Szenenüberschriften mit Innen oder Außen, Ort und Tageszeit.
- Figurenziel: Wähle eine Figur aus Deinem Alltag oder aus einer erfundenen Geschichte und formuliere drei mögliche Ziele für eine Szene.
- Requisite: Suche einen Gegenstand, der in einer Szene wichtig werden könnte, und beschreibe, wie er eine Entscheidung sichtbar macht.
Standard
- Dialogübung: Schreibe einen Dialog zwischen zwei Figuren, die über etwas Harmloses sprechen, aber eigentlich einen Streit vermeiden.
- Konfliktaufbau: Entwickle eine Szene, in der eine Figur dringend etwas braucht und eine andere Figur es nicht geben will.
- Subtext: Schreibe eine kurze Szene zweimal: einmal mit direkter Aussage und einmal mit Subtext.
- Table Read: Lies Deine Szene mit zwei Mitschülerinnen oder Mitschülern laut vor und markiere Stellen, die unnatürlich oder unklar klingen.
Schwer
- Drehbuchszene: Schreibe eine vollständige Drehbuchszene mit Szenenüberschrift, Handlungsbeschreibung, Dialog, Konflikt und Wendepunkt.
- Storyboard: Erstelle zu Deiner Szene ein Storyboard mit mindestens sechs Bildern und notiere zu jedem Bild die wichtigste Handlung.
- Überarbeitung: Überarbeite Deine Szene in drei Fassungen und dokumentiere, welche Dialogzeilen Du gekürzt, ersetzt oder verschoben hast.
- Kurzfilmprojekt: Verfilme Deine Szene mit einfachen Mitteln, werte die Wirkung aus und vergleiche Drehbuchtext und fertige Aufnahme.
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Lernkontrolle
- Szenenanalyse: Analysiere eine bekannte Filmszene und erkläre, welches Figurenziel, welches Hindernis und welcher Wendepunkt erkennbar sind.
- Transferaufgabe: Wandle eine erzählende Prosaszene in eine Drehbuchszene um und begründe, welche inneren Gedanken Du durch sichtbare Handlungen ersetzt hast.
- Dialogbewertung: Vergleiche zwei Dialogfassungen derselben Szene und entscheide, welche Fassung mehr Subtext enthält.
- Konfliktgestaltung: Entwickle aus einer alltäglichen Situation einen dramatischen Konflikt, ohne die Situation künstlich zu übertreiben.
- Feedbackkompetenz: Gib einer fremden Drehbuchszene konstruktives Feedback zu Klarheit, Ziel, Konflikt, Dialog und filmischer Umsetzbarkeit.
- Medienproduktion: Plane, wie Deine Szene mit begrenzten Mitteln filmisch umgesetzt werden kann, und erkläre, welche Änderungen am Drehbuch dafür nötig wären.
Lernnachweis
Für einen Lernnachweis zu diesem Thema ist wichtig, dass Du nicht nur Begriffe auswendig kennst, sondern eine eigene Drehbuchszene bewusst gestalten und überarbeiten kannst. Ein überzeugender Lernnachweis enthält eine klare Szenenüberschrift, eine filmische Handlungsbeschreibung, einen zielgerichteten Dialog, ein erkennbares Figurenziel, ein wirksames Hindernis, einen nachvollziehbaren Konflikt, einen deutlichen Wendepunkt und eine kurze Reflexion über Deine Überarbeitung. Zusätzlich kannst Du ein Storyboard, eine Tonprobe, ein Table Read oder eine einfache Probeaufnahme einreichen. Entscheidend ist, dass Du begründest, wie Deine Szene wirkt und warum Du bestimmte Entscheidungen getroffen hast.
OERs zum Thema
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Links
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THE MONKEY DANCE
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